A bote pronto puede resultar llamativo que Josh Edwards, un músico londinense que echa mano del folk y el pop para presentar sus canciones al mundo, eligiera la figura del escritor sevillano Jose Maria Blanco White (1775-1841) para darle un nombre artístico a su proyecto en solitario: Blanco White. Sin embargo, si escarbamos un poco, podemos intuir que el carácter nómada y la capacidad de asunción de culturas en un principio ajenas del músico británico, actitud que le llevó a estudiar español, vivir en Cádiz una temporada con el fin de aprender a tocar la guitarra flamenca y a realizar un periplo boliviano por La Paz y Sucre para conocer de cerca el charango y la música andina, resaltan el talante curioso de este joven escritor de canciones. Un trayecto transatlántico que nació en 2016, con la publicación del EP 'The Wind Rose', al que le siguió 'Colder Heavens' en 2017 y, posteriormente, otro disco de corta duración de título 'Nocturne' de 2018. Un ramillete de trabajos que desembocaron en su reciente primer LP 'On The Other Side' (Yucatan Records, 2020), puesta de largo de sonido pulcro que filtra ritmos africanos, melodías andinas y cierta brisa sureña para dar con un cancionero sentido y ciertamente elegante que cuenta con la colaboración de Malena Zavala y MAVICA.
En la figura del escritor sevillano Jose Maria Blanco White (1775-1841), de quien tomas prestado el nombre, tiene mucho peso sus constantes idas y venidas con la fe religiosa. Puede que incluso más que la relevancia de su propia obra. ¿Esos claroscuros emocionales son los que también presiden tus canciones?
José María Blanco White tuvo una vida fascinante y turbulenta y fue políticamente radical para su época. Eso fue palpable en su juventud ya que tenía períodos de ateísmo derivados del odio a la censura impuesto por la Inquisición española. Cuando leí por primera vez sobre él y su historia, me sentí atraído por el carácter rebelde y emocional que mostró en ese momento. También me intrigó la forma en que más tarde cambió su identidad en el exilio autoimpuesto en Inglaterra, convirtiéndose en Joseph Blanco White. Al reunir las ideas detrás de mi proyecto musical, percibí esa cuestión de identidad y dualismo como algo que estaba tratando de explorar en la música y por eso elegí el nombre. Para mí, su historia y lo que representaba su nombre tenía una relevancia, sobre todo, en términos de idioma, cultura e identidad, pero supongo que esos dualismos religiosos que mencionas también coincidieron con esas cosas. Ciertamente era una persona emocional, a menudo mal entendida, y su condición de marginado es lo que más me conmovió de él.
Todo lo relacionado con el mundo hispano tiene gran poso en tu vida y en tu obra. Aunque musicalmente tus coordenadas andan próximas al folk anglosajón, aparecen detalles que emparentan también tu estilo con música popular de Bolivia, Perú…¿Como escribió Bruce Chatwin “los cantos funcionan como una especie de mapa de la memoria”?
Leí recientemente 'The Songlines' de Bruce Chatwin y encontré fascinantes las ideas aborígenes australianas detrás de la historia. Nunca antes había oído hablar de esos mitos de la creación, en los que el mundo antiguo fue "cantado". Me pareció una idea hermosa, especialmente porque esas líneas de voz invisibles permanecen presentes en toda Australia formando un mapa de memoria para aquellos que las conocen. El impacto de esas ideas en Chatwin es claro en el libro, donde retrata las líneas sonoras y las historias como una representación del deseo de los humanos de explorar y conocer el mundo. Creo que el mapa de memoria al que te refieres en el contexto de la música actual es, por supuesto, diferente a las ideas aborígenes sagradas exploradas en el libro de Chatwin, pero la imagen o el concepto de un mapa de memoria en general tiene relevancia para la cultura en el presente. Estoy fascinado por la forma en que diferentes tradiciones musicales se forman y evolucionan. Parecen ignorar las fronteras e incluso viajar a través de océanos y continentes, mutando con el movimiento de las personas. Una canción puede representar una red de historias que se encuentran detrás de su creación, basándose en innumerables influencias que provienen de diferentes lugares y tiempos. Incluso a nivel individual, mi propio viaje ha influido profundamente en la música que escribo y en la música que amo escuchar. Hoy el mundo se siente más interconectado que nunca, y para mí el hecho de que podamos escuchar música de tantos lugares diferentes tan fácilmente es increíblemente emocionante. Estoy intrigado por ver qué sucede con la cultura debido a todas esas nuevas conexiones.
A pesar de que partes de un estilo íntimo, en primera persona, podemos percibir un trabajo muy exhaustivo con la percusión y los ritmos en las canciones de ‘On the other side’. Sutil pero muy perceptible en temas como ‘Kauai O’o’ o ‘Desert days’…¿Una forma de subrayar el nomadismo de tus composiciones?
El ritmo se ha vuelto cada vez más importante para mí cuanto más tiempo he trabajado en música y composición. Me encanta la forma en que tradiciones como el flamenco o la música andina subvierten los ritmos más rígidos con los que estaban más acostumbrados a crecer. En mi propia composición, busco constantemente ritmos y sonidos de percusión que se pueden percibir como inusuales. Eso mantiene las cosas frescas y emocionantes para mí. Si soy realmente honesto, me aburro bastante de los ritmos rígidos de 4/4 que siento que he escuchado y reproducido tantas veces. En cambio, me enamoré de más música basada en el groove, que me parece rítmicamente emocionante. Todas las canciones que mencionó anteriormente tienen ritmo en el corazón de la composición, pero todas se basan en diferentes influencias. ‘On the Other Side’ toca con bulerías a mitad de las octavas, ‘Desert Days’ explora el ritmo andino de Huayno y ‘Kauai O’o’ utiliza un shuffle de jazz en la batería.
Siempre estás muy involucrado en la producción de tus discos ¿no?. ¿Te interesan tanto los aspectos técnicos como los compositivos?
Si por su puesto. Creo que el lado técnico de las cosas está tan entrelazado con el lado más creativo o musical. Unir ambos es esencial para lograr buenos arreglos. Aprendí muchísimo con cada versión de los ingenieros con los que trabajé. En este álbum me asocié con un fenomenal y joven ingeniero, Dani Bennett-Spragg, para la grabación, y trabajamos principalmente en Hoxa HQ en el norte de Londres. Luego trabajé estrechamente con Jake Jackson, quien mezcló el disco maravillosamente. Ingenieros así tienen un nivel increíble de experiencia y conocimiento, pero para mí ha sido crucial educarme hasta el punto de poder hablar su idioma desde el punto de vista técnico. Sin esa comprensión estás trabajando en la oscuridad. También creo que hoy en día la producción musical se ha democratizado tanto con las nuevas tecnologías y el software, algo que es realmente emocionante y que definitivamente está cambiando la forma en que se hace la música. No aprovechar eso, incluso como artista orientado más acústicamente, sería un desperdicio.
Además del folk o las sonoridades latinoamericanas, también hay cierta aproximación a la música africana (Mali resuena en ‘Samara’ o el blues sahariano en ‘Desert days’). Da la impresión que como oyente de música eres muy ecléctico. ¿Te gusta investigar sonidos de latitudes ajenas?
Sí, creo que es verdad. Mientras diversa música me conectaba desde diferentes lugares, más quería explorar e ir más allá. Son esos descubrimientos los que han revelado lo que pensé que era posible en la música. Una vez que sus horizontes se dilatan de esa manera, es imposible regresar. Dicho esto, la música blues del Sahara siempre ha sido algo que escuché después de que mi padre me presentó a Ali Farka Touré cuando era niño. Bandas como Tinariwen han tenido una gran influencia en mí más recientemente.
¿Es cierto que has recibido clases de guitarra flamenca en Cádiz? ¿Eres más de Tomatito o de Paco de Lucía?
Me impresionó el flamenco cuando lo vi por primera vez después de mudarme a Cádiz. Para mí los guitarristas flamencos son los mejores del mundo. Tomé clases con el compositor Nono García mientras estaba en la ciudad gaditana cuando tenía poco más de veinte años, y vi tantas actuaciones como pude durante ese tiempo. Paco de Lucía y Tomatito son mis dos guitarristas favoritos, ¡así que es difícil elegir!
El disco está masterizado en Abbey Road y el componente pop subyace en cada una de las canciones. ¿Tienes algún héroe en este sentido? Supongo que al haber crecido en Inglaterra y Gales es inevitable…
Por supuesto, hay muchos artistas de ese lado de las cosas que son héroes musicales míos. Los Beatles fueron una gran parte de mi infancia, Bob Marley también, y bandas contemporáneas como Gorillaz. Escuchar a grandes letristas como Bob Dylan y Leonard Cohen me hizo querer escribir. Cuando era adolescente también escuché a Nina Simone y Otis Redding, artistas que me dejaron una gran huella.
La situación en el mundo, a nivel global, es extraña y doliente. ¿Porque crees que con las posibilidades que tiene el planeta de retro alimentarse a nivel cultural sigue imperando el odio y el racismo?
Esa es una gran pregunta, una que no estoy seguro de tener la respuesta. Aunque hay tanto que lamentarse por el mundo de hoy, quiero mantener la esperanza. A pesar de la terrible situación global que rodea a Covid, ha sido realmente inspirador ver el crecimiento del activismo en torno al movimiento Black Lives Matter. Hay esperanza de que de esa lucha surjan cambios sociales realmente positivos. Del mismo modo, el movimiento verde parecía estar cobrando un impulso real antes de que la pandemia golpeara. Creo que causas como esas representan nuestra oportunidad de una mayor solidaridad humana, además de compartir cultura, música y deporte.
¿Qué papel crees que tienen los músicos en este sentido? ¿Construir canciones (como en tu caso) que revelan sonoridades distintas ya es en sí un hecho político?
La música puede ser una herramienta para muchas cosas y tengo un gran respeto por los artistas que la utilizan políticamente. En general, es quizás nuestro lenguaje universal más poderoso. Puede ser una gran fuente de alegría y también puede hacerte llorar. Ciertamente, creo que puede unir a las personas, no solo en conciertos, sino también en la forma en que explora la experiencia humana. De ahí viene su universalidad. Nunca fue mi intención ser abiertamente político en mi propia música, pero las canciones que escribo reflejan una profunda curiosidad por el mundo. Quiero hacer conexiones y quiero responder a las cosas que me mueven de donde sea que vengan. La música es una hermosa forma de celebrar esas conexiones. Al final, creo que muestra que hay mucho más que nos une como seres humanos que lo que nos separa.
Supongo que tu mayor anhelo ahora es presentar estas canciones en público. ¿Como crees que serán los conciertos con la covid-19 todavía rondando por ahí? ¿Te preocupa esta situación?
Claramente, ha sido un momento difícil para muchas personas que trabajan en música en vivo. Espero que las personas y los lugares independientes con más dificultades obtengan el apoyo que necesitan de los gobiernos hasta que regrese algún tipo de normalidad. Personalmente, estoy agradecido por la salida creativa que da el poder escribir música, algo que siento que siempre estará ahí para mí. Me produce emoción el hecho de volver a la carretera siempre que sea posible, pero hasta entonces intentaré mantenerme positivo y seguiré escribiendo.
